lunes, 14 de marzo de 2016

Mis 20 Actores Protagonistas Favoritos (Rumbo a los Cinespera Awards 2015)

Ahora toca el turno a los protagonistas masculinos, ordenados alfabéticamente de la cual próximamente se procederá a colocar la jerarquía respectiva (cabe mencionar que me reservo el derecho de agregar cualquier interpretación que logre ver antes de la publicación de los nominados: digase "El Hijo de Saul), aquí están los seleccionados:


Abraham Attah  (Beasts of No Nation) 


Michael Caine  (Youth) 


- Bryan Cranston (Trumbo)


John Cusack (Love and Mercy)


Tom Courtney (45 Years)


Paul Dano (Love and Mercy)


Ricardo Darín (Truman)


Johnny Depp (Black Mass)


Leonardo DiCaprio (The Revenant)


Michael Fassbender (Steve Jobs)


Andrew Garfield (99 Homes)


Jake Gyllenhaal (Southpaw)


Ian McKellen (Mr. Holmes)


Al Pacino (Danny Collins)


Joaquin Phoenix (Irrational Man)


Eddie Redmayne (The Danish Girl)


- Mark Ruffalo (Infinited Polar Bear)


Jason Segel (The End of the Tour)


Luis Tosar (El Desconocido)


Jacob Tremblay (Room)

viernes, 11 de marzo de 2016

Mis 20 Actores de Reparto Favoritos (Rumbo a los Cinespera Awards 2015)

Como es tradición presento los que considero que son los 20 trabajos mas destacados en la categoría de mejor actor de reparto durante el 2015, esta lista tiene un orden alfabético pero posteriormente se irá desvelando la posición del ranking de cada uno de ellos y los que queden al final serán los nominados en la categoría. Sin mas preámbulos aquí la lista:

Christian Bale  (The Big Short) 


Alfredo Castro  (El Club) 


- Steve Carell (The Big Short)


Benicio del Toro (Sicario)


Idris Elba (Beasts of No Nation)


Roberto Farías (El Club)


Walton Goggins (The Hateful Eight)


Tom Hardy (The Revenant)


Nicholas Hoult (Mad Max: Fury Road)


Oscar Isaac (Ex-Machina)


O'Shea Jackson Jr. (Straight Outta Compton)


Samuel L. Jackson (The Hateful Eight)


Michael Keaton (Spotlight)


Harvey Keitel (Youth)


Benoit Poelvoorde (The Brand New Testament)


Mark Ruffalo (Spotlight)


- Mark Rylance (Bridge of Spies)


Michael Shannon (99 Homes)


Sylvester Stallone (Creed)


John Turturro (Mia Madre)

domingo, 6 de marzo de 2016

Reseña de "Room"


En un año con un nivel cinematográfico considerablemente bajo, una cinta pequeña entraba con timidez en Toronto y salió de este festival con el premio mayor; es ahí donde empezó la carrera de Room: estupendas críticas, la frontrunner de la categoría de mejor actriz; y aunque tambaleó con la ausencia de los gremios importantes logró meterse en la categoría de mejor película y director en los Oscar; y además de ello contaba con el tráiler más apetecible del año: ROOM se convirtió en mi top 1 de las cintas esperadas del 2015. Las expectativas estaban por los cielos (y todo sabemos que es un error esperar tanto de una película).
Cinematográficamente hablando no tiene nada innovador, no hay grandes escenas o planos secuencia que admirar, ningún crítico va a decir que esta película marcará un antes y después, el aparente tono sombrío y claustrofóbico en realidad no es tan crudo y la cantidad de sensibilidad que puede aportar para algunos podría haberse quedado a medias, sin embargo, hay algo tangible, algo grande, algo verdaderamente mágico en esta película que no se puede medir o discutir a profundidad; no hay que darle muchas vueltas al asunto: Room es una experiencia de proporciones inconmensurables, una película pequeña y sencilla donde la grandeza consiste en la capacidad universal que tiene de llegar al espectador, el ojo crítico puede insistir en la falta de recursos que posee pero yo no tengo ninguna duda de que Room es la cinta más emocionante, intensa y conmovedora del 2015. El gran acierto de ella es que a pesar de los duros y crudos temas que toca está hecha con una finura y una exquisitez tan mesurada que evita en todo momento el maniqueo excesivo, le da al espectador exactamente lo que está buscando.


La historia empieza con la vida de Jack y Joy en la habitación donde un secuestrador la ha mantenido por 7 años, no hay un inicio morboso o deprimente, no…. es el día a día de estos dos personajes y en especial de Jack que es a quién acompañaremos de aquí en adelante. La película trata de ubicarse en todo momento en el lugar del pequeño quién tiene un concepto bien establecido aunque erróneo sobre el mundo que lo rodea, esa es la premisa del film, el drama claustrofóbico tiene un toque sombrío y pesimista pero está rodeado de un aura de emotividad abrumadora y las escenas más crudas en realidad son bastante fáciles de digerir. Una de las cosas que más se puede destacar de ROOM es el conflicto interno que sufre el pequeño Jack cuando su mundo cambia radicalmente de la noche a la mañana, el mismo hecho de que “JOY” (la madre) piense que ya es momento de hacer algo al respecto le da un nivel de tensión brutal al film. El desarrollo nos lleva a la parte más intensa del largometraje: precisamente el momento del escape; absolutamente magistral como está manejado, el descubrimiento, la sensación de estar perdido en un mundo extraño, el temor de hablar con las otras personas; el momento de la camioneta te deja al borde del asiento esperando que todo salga bien (a pesar de que sabemos lo que va a suceder).
Se ha hablado de que la película tiene dos actos y que el primero es el bueno y el segundo ya no lo es tanto, pues si el primer acto es soberbio, crudo, intrigante e intenso, el segundo aunque más convencional es quizá la parte más emotiva y arrolladora de la película, es que precisamente la construcción de la primera hora permite disfrutar del convencional melodrama post-trauma a otro nivel, es una locura, parece que no sucede nada en esa segunda parte (con excepción de cierto acontecimiento) pero hay toda una evolución de sus personajes, y en este segundo capítulo se hacen palpables todos los temores y la depresión de Joy, el intento de adquirir confianza por parte de Jack, lo difícil que es continuar con la vida tras el Shock sufrido, la mayoría de las películas (de terror por lo general) terminan con la resolución del episodio traumático pero muy pocas se han detenido a desarrollar todo el conflicto que surge después, ¿que se convierte en un telefilme?, de ser así pues me cambio a ver los Emmy en lugar de los Oscar.

La película tiene una base sólida en su argumento, en la maravillosa adaptación propia de la autora del libro “Emma Donoghue” y por supuesto (por eso lo dejo para el final) en la extraordinaria labor de sus intérpretes:
Brie Larson sorprendió al mundo desde “Short Term 12” para los que vimos esa película sabíamos que había un potencial oculto en esta joven actriz, la interpretación de Larson es alucinante en todo momento, domina perfectamente cada matiz de su personaje y sabe cómo traspasar el umbral de la pantalla y convertir la vida de JOY en una experiencia vital para el espectador.  En ocasiones la carrera de los premios de la academia se equivoca en elegir a la favorita, pero en este caso NO, Brie Larson se mereció ese Oscar sin dudas.

Para terminar, es UNO SOLO que aparece por cada década, un solo prodigio interpretativo infantil, si señores, Jacob Tremblay es un milagro absoluto, asombroso en todo momento, parece mentira pero en muchas escenas le roba el protagonismo a la misma Brie Larson, lo que hace este niño es admirable y extraordinario, y aún más cuando nos damos cuenta que en realidad Jacob tiene 9 años (unos 8  cuando rodó ROOM) y el personaje tiene solo 5. El control que tiene sobre las escenas, la capacidad para abarcar un sinnúmero de emociones es que se me escapa de toda lógica, hay que tener un talento natural para trabajar con ese grado de madurez y entrega a tan corta edad. Que Matt Damon (The Martian) esté nominado como mejor actor y Tremblay no, es un chiste, y si quieren hacer el fraude de categoría, con mucha más razón debería estar en el quinteto de secundarios entonces. Del reparto hay que destacar a Joan Allen, está muy bien y tiene un par de grandes escenas.
Gracias a todos los responsables de este film: Lenny Abrahamson, Brie, Jacob, Emma; gracias por entregarme exactamente la película que estaba esperando. 

VALORACION

sábado, 5 de marzo de 2016

Reseña de "The Revenant"




La premisa es la siguiente: Un relato crudo de supervivencia en un ambiente hostil y ante las condiciones más extremas y desfavorables posibles. ¿Qué ya hemos visto esto anteriormente?, pues sí, parece una rara combinación entre Gladiador y Cast Away. El Renacido no es precisamente una cinta que marcará un antes y después, es más bien la confirmación de los elementos artísticos y técnicos llevados al extremo posible: la fotografía, la mescla de sonido, la dirección, etc. Es un producto diseñado para ganar premios, para ser visible y remarcable sobre cualquier rival. No me sorprenden en lo absoluto sus 12 nominaciones pese a que quizá una por ahí si le regalaron.


“The Revenant” inicia en el frio bosque de las profundidades de la América Salvaje, allá por los años 1800, podemos decir que la mejor parte del largometraje es esa emblemática entrada tan potente visualmente como entretenida, a lo “Salvar al Soldado Ryan” la película se mete de lleno en una sangrienta batalla que nos llevará al drama posterior y lo hace rebosando de adrenalina y tensión. Es interesante como la película maneja a los personajes en un principio, sabemos que Glass es el protagonista absoluto pero hasta que su odisea de terror empieza, en realidad nos lo presentan como uno más del grupo, no hay prólogo intencionado ni la cámara trata de mantener el punto de vista de Glass. 


El cuento luego nos lleva a las escenas claves del film, tras el extraordinario opening, viene el desencadenante de la odisea; el ataque de la osa propiamente dicho: el ingenio y el realismo de ese momento es brutal y arrollador, y en este punto es donde la edición de sonido y los efectos visuales alcanzan cuotas inimaginables. Celebro todo el planteamiento de la escena, la forma tan realista de crear a esa osa Judy, el forcejeo, etc. todo está rodado magistralmente. The Revenant está cargada de bellísimos planos generales y secuencias que son parte de los continuos intentos de Iñarritu de seguir diciéndole al mundo “soy el más cabrón de todos cuando se trata de dirigir”, el "ego" del cineasta mexicano no tiene límites.



El viaje de supervivencia al principio es embriagador y sublime, la historia y las imágenes se funden en una experiencia vital para el espectador, un auténtico delirio para los sentidos, un festín visual y auditivo que alcanza niveles insospechados, pero el problema que le veo a “El Renacido” es que llega un momento donde empieza a agotarse, ¿podríamos decir que peca de exceso de metraje?: es probable, pero ante todo es la sensación de que el persistente intento de superar los límites del lenguaje cinematográfico (algo ya típico de Iñarritu) y el poderío visual, empiezan a tomar el rumbo de la historia, es como si los atributos técnicos y artísticos asumieran el protagonismo de “The Revenant” y la historia en sí, quedara en segundo plano, es ahí cuando empieza a gastarse un poco la película. Sin embargo nunca llega al punto de “no retorno” donde sientes que la cinta se ha ido por completo y ya no hay forma de reconexión, al final vendrán más escenas claves y momentos determinantes que terminarán dejando la sensación de haber visto algo grande, algo realmente superlativo.

The Revenant es ante todo una experiencia que hay que saber disfrutar, no es una película perfecta, precisamente es su guion muy básico su baza más débil y con toda lógica no ha sido nominada en dicha categoría, pese a todo lo negativo que se le pueda encontrar es una de las películas del año.

Leonardo DiCaprio se entrega en cuerpo y alma a su personaje, no es una interpretación lucida ni por diálogos, ni por momentos específicos, es más el asombroso esfuerzo de ponerse en la piel de “Hugh Glass” quién es alguien que va a tener que hacer “cualquier cosa” necesaria para sobrevivir, cuando leo en ciertos artículos que DiCaprio no ha utilizado dobles para las escenas más crudas entones es él mismo quién tuvo que comer hojas con tierra, entrar en el agua claramente bajo punto de congelación. En fin, ¡brutal DiCaprio!, no creo que sea precisamente su mejor interpretación, tampoco pienso que sea el ganador incuestionable del año, de haber participado en otra edición diferente con rivales potente en la categoría probablemente no habría ganado el Premio de la Academia, pero no hay que dudarlo: DiCaprio se mereció el Oscar por la razón que sea.

Tom Hardy también tiene un papel muy lucido, esa “falsa ambigüedad” moral de su personaje con la etiqueta de “villano” es muy notable; es una actuación que se basa en lo físico al igual que DiCaprio, pero aunque parezca mentira hay más desarrollo de personaje en Fitzgerald que en de Glass, ese argumento de que él es una especie de “predicador” o “religioso” de forma no definida y con esos conceptos tan errados de la fe, le da un toque de humanidad interesante a pesar de que de todas formas nos vamos a poner del lado de Glass.



Sus atributos artísticos y técnicos no tienen ni precedentes ni rivales, al menos en ciertos apartados, cuando vi Mad Max pensé que no había competencia alguna en lo referente a “las categorías de sonido”, pero es que el Renacido SUENA tan real, tan cruda, tan visceral más allá de su aspecto visual es una experiencia auditiva también, las reacciones de la Osa digital, con el sonido de los desmembramientos y desgarros de carne, es todo tan verídico que estas ahí!!, a unos pocos metros de los acontecimientos, la película mete al espectador en la cruda odisea por todos los medios posibles.

Ya que cabecea mucho en su guion, el trabajo duro recae sobre Iñarritu que pese a que se le notan las intenciones claras de seguir rompiendo moldes establecidos en el séptimo arte (ese EGO), su trabajo es digno de elogios. No es por repetir lo que todo el mundo dice pero si debió ser bien difícil sacar adelante esta película. ¡Gigante Iñarritu!

Lo mejor de la película lo dejo al final, es que ya no hay que darle más vueltas: Emmanuel Lubezki es el mejor director de fotografía de todos los tiempos, punto final, él mismo se convierte en autor y co-director de la película, su impronta ya es reconocible; hay tanta referencia al cine de Malik que alguno podría acusarla de plagio, pero la acuarela visual que expone es marca CHIVO LUBEZKI; la forma que tiene de capturar la luz y los mejores paisajes es sublime, su tercer Oscar es mas que merecido. Visualmente es lo más intenso, sorprendente y grandioso que se ha filmado en este 2015, no tiene competencia.

The Revenant es toda una experiencia, no es una película perfecta, tampoco será mi favorita de las nominadas como dije a veces se agota por su exceso de metraje pero es una gran obra sin lugar a dudas.


Valoración:

viernes, 4 de marzo de 2016

Reseña de "Spotlight"


Es una gran cinta de temática periodística, lo más destacable es el aura que posee de ser película seria, bien contada, bien escrita, con grandes interpretaciones, el combo completo, desde el inicio estamos embargados en un producto que mínimo debe satisfacer nuestras expectativas. Spotlight es un drama que va hilvanando el relato de como un grupo de periodistas inicia un reportaje para “primera plana” sobre un grupo de curas pederastas en Boston, dicha investigación es retratada de forma casual, tal como es el día a día de la vida de las personas que trabajan en este mundo, la información nueva se procesa y provoca reacciones realistas y salvo unas cuantas licencias emocionales que se permiten los personajes de Ruffalo y Keaton, es una película cerebral, con contenido emocional fuerte pero bien manejado sin exageraciones y sin polémica gratuita hacia la institución a la cual está atacando, teniendo temas fuertes y demás, no sale mal parada ni es manipuladora en exceso cuando fácilmente podía haber caído por el camino de rosas de la sensiblería barata.


Me ha gustado la forma como engancha al espectador, no se hace aburrida, es cine sobrio y bien argumentado en hechos, bien organizado gracias a un gran trabajo de guion que no deja nada inconcluso, hay que estar pendientes en todo momentos de las escenas y las conversaciones de sus personajes para seguir el hilo de la historia, razón por la cual ganó merecidamente el Oscar a mejor guion original.



Sobre sus actores debo decir que como conjunto funcionan a la perfección, reparto coral sin protagonista real, pero quién más se destaca es Mark Ruffalo; no solo por ser el personaje que tiene más presencia emocional, sino que al menos yo no he visto en ningún momento Ruffalo (Valga la redundancia), es un actor increíblemente versátil que si analizas es completamente diferente a su “Dave Schultz” de “Foxcatcher” por ejemplo. Mike Rezendes es el miembro de "PRIMERA PLANA" del Boston Globe quién más se compeneta con su trabajo, es quién más se sacrifica por encontrar las respuestas de esta conspiración.



En segundo lugar tenemos a Michael Keaton que si bien es cierto durante las primeras 2/3 del film no parece que tuviera mucho nexo con el drama propio del relato (sino más bien alguien que quiere hacer su trabajo correctamente) pero al final tiene un par de escenas absolutamente magistrales.


Y ahora viene lo único que creo que se ha sobrevalorado un poco de esta película: “Rachel McAdams” vale, ella está bastante bien pero no tiene verdaderamente un conflicto fuerte que seguir, no tiene escenas de lucimiento y no es un personaje que provoque mucha empatía por ser la única mujer del reparto, es una nominación un poco regalada por efecto arrastre de la película misma, quizá la categoría de mejor actriz secundaria es floja este año (incluyendo la entrada de dos protagonistas) pero hablando subjetivamente para mí por poner un ejemplo: las dos actrices de Youth (Helen Mirren y Rachel Weizs) bien podrían haber ocupado su lugar. Una pequeña observación subjetiva pero McAdams se ha ganado con pulso su lugar en Hollywood.



También hay que destacar las labores de Stanley Tucci, Liev Schreiber y John Slattery que conforman el elenco del año el cual ganó el premio principal del gremio de actores


En un año flojo como es el 2015 en cine, no fué descabellado ni desmerecido que la mejor película sea un drama periodístico que nunca vencido en esta categoría, tampoco creo que merezca la etiqueta de "ser la ganadora merecida sin cuestionamiento", pero peores películas se han llevado el premio principal, sin embargo Spotlight es la cinta del consenso, no fué la que tuvo mas NUMERO 1 en los votos de los académicos de esta edición, pero aquellos que la colocaron como segunda o tercera opción fueron quienes le dieron el premio mayor a la único largometraje en ganar como "mejor película" con solo otro Oscar en su haber desde "El Mayor espectáculo del mundo" allá por el 1952.


Valoracion:

sábado, 13 de junio de 2015

Otto e mezzo (8½) - (1963) - Federico Fellini



Director: Federico Fellini
Guión: Tullio Pinelli, Federico Fellini, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
Música: Nino Rota
Fotografía: Gianni di Venanzo
Reparto: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como, Nino Rota


Sinopsis
"Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a pasar revista a los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado. "



El ego desmedido del séptimo arte, eso que llamamos cine dentro de cine, no podría tener mayor representante que películas como Ocho y Medio o Sunset Boulevard. Ocho y medio es ante todo la confirmación absoluta de la insignia autoral de Federico Fellini, sensibilidad italiana clásica, sátira social embebida en un manjar intelectual adornado de surrealismo onírico.


Guido Anselmi es un famoso director que se ve atrapado dentro de un conflicto creativo, la incapacidad de hacer una nueva película, que vendría siendo la numero nueve, de aquí el título del film. Ante este laberinto de confusión Guido recurre a sus recuerdos, a la nostalgia de su infancia, a las mujeres que ha "amado", a sus propios sueños, deseos y temores. Todo va conduciendose sobre una comedia agria y una sátira social divertida. Sin olvidar sus maravillosas escenas surrealistas donde la línea que divide los recuerdos de los extravagantes acontecimientos oníricos es imperceptible.


Fellini no apela a las emociones, se esfuerza en evitar crear un mundo de sentimientos y de indentificación, fellini quiere romper las reglas, estar a la vanguardia de su profesión, ofrecer un espectáculo único y lo consigue con gran acierto, porque hablar de Ocho y Medio es detenerse a saborear los pequenos detalles argumentales, viajar por la mente de un inventor, ser testigos de su bloqueo; desesperarse por la incapacidad de detener toda la maquinaria publicitaria, la presión de la directiva, la indecisión; Ocho y medio habla de las ganas de libertad individual.



Si tengo que ser sincero esto de la sensibilidad italiana y el mundo del neorrealismo (aunque este particular ejemplo no pertenece a tal movimiento), no es precisamente mi materia favorita, Visconti, De Sicca y Rossellini son mas emocionales, Fellini y Antonioni mas cerebrales; pero Ocho y Medio es una cinta para admirar pese a su falta de nexo afectivo. 

Esta cinta está perfectamente estructurada para ser deleitada para los paladares mas finos, su guión es magistral, su estructura es sobria, sus escenas oníricas son muy sugerentes, sus metraje resulta divertido, sin duda es una obra imprescindible.


El Director crea un alter"ego" de sí mismo, dicen los entendidos; que resulta sumamente interesante percatarse de la particularidad del ciclo, Fellini haciendo su propia historia de como su personaje crea la misma película, cine dentro de cine dentro de cine, dentro de cine.. para ser mas exactos Ocho y Medio es CINE por excelencia.

Debo agregar que no he podido evitar recordar ciertas escenas de Nine (ya que la vi antes) mientras avanzaba el recorrido de este film, lo que es bastante lógico siendo un remake. Siendo un musical incongruente tampoco retrata bien la escencia de Otto e Mezzo. Como ya lo mencioné, solamente reprocharía su falta de emoción, pero vamos que yo soy un sentimental; además no lo necesita, una película tiene sus objetivos planteados y Ocho y medio es cine artístico para colocar en un pedestal.





Sus actores están muy bien, empezando como no podía ser de otra forma con un Marcelo Mastroianni grandioso, Guido es arrogante, altivo, mujeriego; pero está atormentado y embebido por su propio subconciente y sus recuerdos. Su papel es cuerdo y contenido pero con escenas brutales y fuera de contexto. Claudia Cardinale, belleza como ninguna, actriz de solvencia y de un gran carisma, sin duda su pequeño papel contiene uno de los grandes momentos del film. No puedo dejar de mencionar a Anouk Aimee como Luisa, la esposa de Guido, su potencia y su sobriedad engalanan la película. Y para terminar una sensual, atrevida, inquieta y maravillosa Sandra Milo.

Técnicamente sobresale su gran montaje, que conjunto con su guión van creando una historia que combina perfectamenet la realidad con los recuerdos, los sueños con las pesadillas, el mundo surrealista va de la mano con las intenciones de dar una imagen vívida de la confusión que vive nuestro protagonista.
Obra necesaria e imprescindible para los cinéfilos.


Valoracion:

domingo, 7 de junio de 2015

Tokyo Monogatari (Cuentos de Tokio) - Yasujiro Ozu ) - 1953



Director: Yasujiro Ozu
Guión: Yasujiro Ozu & Kôgo Noda
Música: Takinori Saito
Fotografía: Yushun Atsuta (B&W)
Reparto: Chishu RyuChiyeko HigashiyamaSetsuko HaraSo YamamuraHaruko Sugimura,Kinoko NiyakeKyoko Kagawa


Sinopsis
"Una pareja de ancianos viaja a Tokio para visitar a sus hijos, pero ninguno de ellos tiene tiempo para atenderlos, por lo que deciden enviarlos a un balneario. Cuando regresan, la madre pasa una noche en la casa de una nuera, viuda de uno de sus hijos. A diferencia de sus cuñados, Noriko muestra afecto por sus suegros y conforta a la anciana. "



Comentario:
El cine oriental y siendo más específico: el cine japonés, ha logrado establecerse en una posición privilegiada de entre las grandes potencias que imprimen la historia del séptimo arte, Y es que hablar sobre el cine nipón, de directores como Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi, Yasujiro Osu, Masaki Kobayashi, Mikio Naruse, etc, es introducirse en una cultura totalmente desconocida para nosotros como occidentales.

Puedo decir que he asistido a una de las experiencias más grandiosas frente a una pantalla de toda mi vida, la película a la que me referiré a continuación es el film que representa todo lo que es Japón, todo lo que significa ser ese país. Si bien es cierto “Cuentos de Tokio” no es la película más reconocida del cine oriental,  internacionalmente hablando tampoco es la más importante, films como Los Siete Samurais o Rashomon del maestro Kurosawa pueden jactarse de ser los pilares fundamentales del cine Nipón. Pese a esto, la película que verdaderamente representa la importancia intrínseca de Japón es “Cuentos de Tokio”. 



Mientras Kurosawa utiliza la grandilocuencia para contar sus historias e imprime imágenes poderosas como ningun otro, maneja la edición de una forma insuperable, (razón por la cual se ha dicho que es el director más occidental) y Kenji Kizoguchi plasma el arte a base de argumentos llenos de sentimiento y emoción, contando historias que quitan el aliento, haciéndolas inmortales y verdaderas obras de arte imperecederas, lo que hace Ozu probablemente es más complejo aún. Porque en una película de Ozu no hay grandilocuencia, no hay historias potentes ni impactantes, lo que hay es un cuento muy pequeño sobre una familia japonesa media.. (Las películas de este director tienen este sello).

Ahora. ¿Por qué es tan grande “Cuentos de Tokio”?, porque lo que da la impresión de ser un simple documental de una familia “X” en un periodo determinado, lo que pareciera una grabación con cámaras de un nucleó familiar en la época de los 50, es  en realidad la más perfecta representación de la vida de una familia media y común.



La película plasma de una forma mágica la soledad de la vejez, expresa muchísimo más de lo que aparenta, es una maravilla sin precedentes en cada cada plano, cada conversación, cada paseo, cada encuentro, cada reunión familiar. La historia de una pareja de ancianos que decide hacer un último viaje a Tokio para visitar a todos sus hijos, a pesar de los impedimentos geográficos y la indiferencia de sus propios vástagos, ellos encuentran la felicidad en la vida, y también la amabilidad de la nuera cuyo marido murió durante la guerra.
Los personajes son absolutamente conmovedores, sobre todo Shukishi que es la representación de la serenidad y amabilidad, y Noriko que es la ternura y la solidaridad en su máxima expresión, dos de los presonajes más hermosos que el séptimo arte ha creado alguna vez. 

Quizá lo mejor del film es Setsuko Hara que logra cautivarnos cada vez que aparece en pantalla, crea una conexión inexplicable con sus suegros que no se puede expresar con palabras, solo puede sentirse mientras se disfruta de la experiencia inigualable que es "Cuentos de Tokio".
Las lágrimas se me han escapado en más de una ocasión, ya que a parte de la absoluta y maravillosa historia que cuenta, Ozu lo hace tan grande y tan glorioso que por fin he podido entender porque esta película se la ha catalogado como la más importante para Japón, y a su vez Ozu es el director más respetado y querido por allá.

Estos japos definitivamente son una droga, y a Yasujiro Ozu lo tengo en un pedestal y con ganas de ver más cine de él, y si va por el mismo camino que Kenji MIzoguchi y Akira Kurosawa seguramente entrará en la lista de mis directores favoritos.

Actualmente "Cuentos de Tokio" está ganando terreno en las listas de las obras favoritas de los críticos de cine, incluso en un par de estos rankins ya es considerada como la mejor película de todos los tiempos, si, por encima de "Ciudadano Kane", "Vertigo" o "El Padrino" (Como es el caso del último top relizado por los directores que se publicó este año), así que si no la has visto. ¿Que estás esperando?.

Catalogarla como "Obra Maestra" le quedaría tan corto que sería insultar a la película, impuntuable, tan grande como el universo